Once Upon a Time

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Issue 16 Summer 2011 Once Upon a Time at the Deutsche Guggenheim Francesco Clemente in Frankfurt The Sonnabend Collection in Venice Deutsche Gugg...

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Issue 16 Summer 2011

Once Upon a Time

at the Deutsche Guggenheim

Francesco Clemente in Frankfurt The Sonnabend Collection in Venice

Deutsche Guggenheim Magazine

Das Deutsche Guggenheim ­Magazine erscheint viermal im Jahr. The Deutsche Guggenheim ­Magazine is published four times annually. Redaktion Editorial Deutsche Guggenheim, Berlin Sara Bernshausen Britta Färber Friedhelm Hütte Steffen Zarutzki Solomon R. Guggenheim Foundation, New York Kamilah Foreman Elizabeth Franzen Regarding Arts, Berlin Lidiya Anastasova Achim Drucks Maria Ferreira Morais Oliver Koerner von Gustorf Falls nicht anders gekennzeichnet, alle Texte Regarding Arts. All texts by Regarding Arts unless otherwise indicated.

Grafische Gestaltung Design Kerstin Riedel

Close Up



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On View at the Deutsche Guggenheim



4 Once Upon a Time von Marc Glöde 4 Once Upon a Time by Marc Glöde



Context

What to See – Guggenheim Foundation

What to See – Deutsche Bank Art

Herausgeber Publisher Deutsche Bank AG, Frankfurt am Main Produktion Production Lidiya Anastasova Suzana Greene Kerstin Riedel Melissa Secondino Lithografie Image processing max color, Berlin Druck Printing Medialis Offsetdruck, Berlin

Flashback

© 2011 Deutsche Bank AG, Frankfurt am Main Artists, authors, and photo­­graphers. All rights reserved

What to Do

deutsche-guggenheim.de rechte Seite opposite page: Hans im Glück, Märchenbrunnen Volkspark Friedrichshain, Berlin Lucky Hans figure of Fairy Tale Fountain in Volkspark Friedrichshain, Berlin. © Vario Images

Welcome

Once Upon a Time

Autoren Authors Megan Fontanella Marc Glöde Alexandra Munroe Maria Nicanor David van der Leer Joan Young Übersetzung Translation Burke Barrett Achim Drucks Marc Glöde Karl Hoffmann Andrea Scrima

Issue 16 Summer 2011

My Things: Joan Young Deutsche Guggenheim Edition Nr. 56: Janaina Tschäpe My Things: Joan Young Deutsche Guggenheim Edition No. 56: Janaina Tschäpe

10 Vom Geschichtenerzählen: Fantasie und Erzählung in der Gegenwartskunst von Joan Young 10 To Tell a Tale: Fantasy and Narrative in Contemporary Art by Joan Young 14 Lee Ufan: Marking Infinity in New York 15 BMW Guggenheim Lab in New York 16 Painterly Abstraction, 1949–1969: Selections from the Guggenheim Collections in Bilbao 17 IIeana Sonnabend. Ein italienisches Porträt in Venedig 14 Lee Ufan: Marking Infinity in New York 15 BMW Guggenheim Lab in New York 16 Painterly Abstraction, 1949–1969: Selections from the Guggenheim Collections in Bilbao 17 IIeana Sonnabend. An Italian Portrait in Venice 18 Think Global, Act Local: Die Sammlung Deutsche Bank in New York 20 Francesco Clemente. Palimpsest: Deutsche Bank sponsert Ausstellung in der Schirn Kunsthalle Frankfurt 21 The Last Grand Tour: Deutsche Bank sponsert Ausstellung im Museum of Cycladic Art 18 Think Global, Act Local: The Deutsche Bank Collection in New York 20 Francesco Clemente. Palimpsest: Deutsche Bank Sponsors Exhibition at the Schirn Kunsthalle Frankfurt 21 The Last Grand Tour: Deutsche Bank Sponsors Exhibition at the Museum of Cycladic Art 22 Yto Barrada: Riffs: Bildergalerie 22 Yto Barrada: Riffs: Photo Gallery

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Meet the Members of the Deutsche Guggenheim Club Programm und Information Meet the Members of the Deutsche Guggenheim Club Event Calendar and Information

Hinter jedem Märchen verbirgt sich ein Stück Realität: Schon immer haben Fabeln, Mythen und Märchen geholfen, die dunklen, unbewussten und unbekannten Seiten der menschlichen Existenz zu beschreiben. Zugleich haben sie unsere Sicht auf die Wirklichkeit geprägt, unsere Fantasie angeregt, mit jedem Lesen und Vorlesen unsere Vorstellung von Gut und Böse geformt. Doch wie hat diese Tradition, die vor allem auf mündlicher oder schriftlicher Überlieferung beruht, eigentlich Eingang in die visuelle Kultur unserer globalisierten und medialisierten Gesellschaft gefunden? Welche Rolle spielen Fabeln in einer Welt, in der virtuelle Bilder und eine schier unübersehbare Flut von Informationen es immer schwieriger machen, zwischen Fakt und Fiktion zu unterscheiden? Mit der Frage, wie man heute mittels Videokunst fantastische Geschichten und moderne Märchen erzählen kann, beschäftigt sich Once Upon a Time. Anhand von bedeutenden Arbeiten aus der Sammlung des Solomon R. Guggenheim Museums untersucht die von Joan Young kuratierte Ausstellung im Deutsche Guggenheim, wie zeitgenössische Videokünstler Motive und Erzähltechniken aus Mythen, Fabeln und Märchen adaptieren, um aktuelle gesellschaftliche Phänomene oder Ereignisse der jüngeren Geschichte zu reflektieren. Im Deutsche Guggenheim Magazine stellt Joan Young Werke aus der Sammlung des Guggenheim Museums vor, die die Bedeutung des Märchens für die bildende Kunst unterstreichen – auch in der Malerei, Fotografie, Skulptur und Installation. Der Medienwissenschaftler und Autor Marc Glöde beschreibt in seinem Essay, wie radikal die Digitalisierung die Erzähltechniken für Video- und Filmkünstler verändert hat und warum Märchen und Mythen sie auch heute noch inspirieren. In der aktuellen Ausgabe finden Sie zusätzlich Beiträge zu den Ausstellungshighlights in den Guggenheim Museen in New York, Venedig und Bilbao. Wir laden ein zu einer Tour durch die Sammlung der Deutschen Bank in New York, die sich so multikulturell und vital präsentiert wie die Stadt, in der sie beheimatet ist. Außerdem berichten wir über die von der Deutschen Bank geförderte Werkschau von Francesco Clemente in der Frankfurter Schirn Kunsthalle. Auch Clementes Werk ist von Mythen und Fabeln aus den unterschiedlichsten Kulturen inspiriert. ­Palimpsest zeigt, wie sich seine poetischen, geheimnisvollen Bildwelten über drei Dekaden hinweg entwickelt haben. Wir wünschen Ihnen einen anregenden Kunstsommer und viel Vergnügen beim Erkunden der märchenhaften Videoarbeiten im Deutsche Guggenheim, die zugleich künstlerische Fabeln über den Zustand unserer Welt sind.

Every fairy tale contains a kernel of reality. Since time immemorial, fables, myths, and fairy tales have described dark, unconscious, and taboo sides of human existence. At the same time, they have characterized our view of reality, stimulated our imagination, influencing our ideas of good and evil with every reading and rereading. But how did this tradition, which is mainly based on oral and written accounts, enter into the visual culture of today’s global and mediatized society? What role do fables play in a world in which virtual images and a huge flood of information make it increasingly difficult for us to distinguish between fact and fiction? Once Upon a Time focuses on how fantastic stories and modern fairytales are represented in video art today. Based on important works from the Solomon R. Guggenheim Museum collection, the exhibition at the Deutsche Guggenheim, organized by Joan Young, Guggenheim Associate Curator, Contemporary Art, and Manager, Curatorial Affairs, investigates how contemporary video artists adapt motives and narrative techniques from myths, fables, and fairy tales to mirror current social phenomena and events of recent history. In the Deutsche Guggenheim Magazine, Young presents other works from the Guggenheim Museum collection that emphasize the influence of the fairy tale on the fine arts, including painting, photography, sculpture, and installation. In an engaging essay, the media theorist Marc Glöde discusses how radically digitization has changed video and film artists’ narrative techniques and why fairy tales and myths still inspire them today. The current issue also includes articles on the major exhibitions at the Guggenheim museums in New York, Venice, and Bilbao. We invite you to take a tour of the Deutsche Bank Collection in New York, which is as culturally diverse and vital as the city in which it is housed. In addition, we report on the Deutsche Bank– sponsored Francesco Clemente show at the Schirn Kunsthalle in Frankfurt. Clemente’s work is also inspired by myths and fables from various cultures, and Palimpsest shows how his poetic, mysterious, pictorial worlds have developed for more than three decades. We wish you an inspiring summer of art and a great deal of enjoyment in exploring the fanciful videos at the Deutsche Guggenheim, a rich assemblage of artistic fables about the world in which we live.

Friedhelm Hütte Global Head of Art, Deutsche Bank

Cover: Aleksandra Mir, First Woman on the Moon, 1999—. Color video, with sound, 12 min., publicity stills, and openended archive originating from the live event on August 28, 1999. Produced by Casco Projects, Utrecht, on location in Wijk aan Zee, The Netherlands. Solomon R. Guggenheim Museum, New York, Purchased with funds contributed by the International Director’s Council and Executive Committee Members 2005.62. © VG Bild-Kunst, Bonn 2011

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Close Up

Joan Young ist Kuratorin des Guggenheim Museums in New York. Für das Deutsche Guggenheim hat sie bereits Phoebe Washburn: Regulated Fool’s Milk Meadow (2007) und Julie Mehretu: Grey Area (2009–10) kuratiert. Joan Young is a curator at the Guggenheim Museum in New York. For the Deutsche Guggenheim, she has organized Phoebe Washburn: Regulated Fool’s Milk Meadow (2007) and Julie Mehretu: Grey Area (2009–10).

Tom Waits’s Alice Tom Waits ist ein Meister des Fabulierens. Seine Zusammenarbeit mit Robert Wilson von 1992 untersucht die Beziehung zwischen Lewis Carroll und Alice Liddell, dem Mädchen, das ihn zu Alice im Wunderland (1866) und Alice hinter den Spiegeln (1871) inspiriert hat. Tom Waits is a masterful fabulist. His 1992 collaboration with Robert Wilson explores the relationship between Lewis Carroll and Alice Liddell, the girl who inspired Alice’s Adventures in Wonderland (1866) and Through The Looking Glass (1871). © 2002, Anti, Inc.

José Saramago’s The Stone Raft Der Roman Das steinerne Floß ist ein fantastisches Märchen, in dem die iberische Halbinsel vom europäischen Kontinent abbricht und in den Atlantik hinaustreibt. José Saramagos anschauliche Schilderungen machen die Geschichte fast glaubwürdig. Despite the Iberian Peninsula breaking off from the European continent and floating freely in the Atlantic Ocean. José Saramago’s vivid descriptions make this 1987 novel seem almost plausible. © Rowohlt Verlag

Hieronymus Bosch’s The Garden of Earthly Delights Die außergewöhnlichen Formen und Bestien auf Boschs Garten der Lüste versetzen mich immer wieder in Erstaunen. The extraordinary creatures and environs that Bosch conceived amaze me with every viewing. © Museo nacional del Prado, Madrid

Pina Bausch’s Der Fensterputzer Pina Bausch schuf mit ihrem Tanztheater atemberaubende Bilder, wie etwa einen sechs Meter hohen Berg aus roten Blumen, der die Zuschauer in eine Wunderwelt entführt. Pina Bausch created stunning images in dance and theater, such as a 20-foot-high hill of red flowers, that transport you to another world of wonderment. Photo: Detlef Erler

The Brothers Quay’s The Street of Crocodiles Dieser Stop-Motion Trickfilm von 1986 machte mich mit der dunklen, faszinierenden Welt der eineiigen Quay-Zwillinge bekannt. Ich bin schon sehr gespannt auf ihre Auftragsarbeit für das Mütter Museum, ein anatomisches Kuriositätenkabinett aus dem 19. Jahrhundert am College of Physicians of Philadelphia. This short, stop-motion animation from 1986 introduced me to the dark, compelling work of these identical twin brothers. I’m looking forward to their upcoming commission by the Mütter Museum, a 19th-century repository of anatomic curiosa at the College of Physicians of Philadelphia. © BFI

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Edition No. 56

© 2011 Janaina Tschäpe, Courtesy Sikkema Jenkins & Co., New York

Photo: Lina Bertucci

My Things: Joan Young

Janaina Tschäpe: Lacrimacorpus

Mit einer Bandbreite unterschiedlicher Medien wie Video, Fotografie, Installation und Zeichnung schafft Janaina Tschäpe einen rätselhaften, mythologischen Kosmos, der um die Transformation des weiblichen Körpers kreist. In den Werken der in New York lebenden, 1973 geborenen Deutsch-Brasilianerin wohnen geheimnisvolle Mischwesen aus Mensch und Tier in unwirklich erscheinenden Landschaften. Dabei bilden wahlweise ihr eigener oder ein fremder Körper den Ausgangspunkt für groteske Verwandlungen: In ihren Videos lässt Tschäpe ihren Kreaturen etwa abstruse Gliedmaßen und Wucherungen wachsen, die aus mit Luft oder Wasser gefüllten Latexkostümen, Ballons und Plastikrohren konstruiert sind. So auch in dem Video Lacrimacorpus (2004), das im Rahmen von Once Upon a Time im Deutsche Guggenheim zu sehen ist. Zur Ausstellung hat Tschäpe eine gleichnamige, auf 20 Exemplare limitierte Foto-Edition beigesteuert. Sie zeigt die titelgebende Figur aus ihrer Videoarbeit. Sie ist vom Fabeltier Lacrimacorpus inspiriert, das Jorge Luis Borges in seinem Buch der imaginären Wesen (1969) beschreibt: dem Squonk, auch Lacrimacorpus dissolvens genannt. In die Enge getrieben, löst sich dieser scheue, unansehnliche Waldbewohner völlig in Tränen auf. In Tschäpes Film ist dieses Wesen weiblich und tanzt in einem verlassenen Ballsaal. Schauplatz ist Schloss Ettersburg bei Weimar, das von 1776–1780 Sommersitz der Herzogin Anna Amalia und Treffpunkt von Größen wie Johann Wolfgang von Goethe und Friedrich Schiller war. In Lacrimacorpus überlagert sich diese Referenz an deutsche Dichter und Denker mit einem traumatischen Kapitel der jüngeren Geschichte: Während des Dritten Reichs entstand in Nachbarschaft des Schlosses das Konzentrationslager Buchenwald. So verweist die surreale Inszenierung auch auf den schwierigen Umgang mit historischem Grauen und „deutscher“ Identität. Die kostümierte Hauptdarstellerin des Videos trägt eine Krause aus Luftballons, die einen Tränenstrom andeuten. Sie blickt durch die Saalfenster über den Schlosspark, womöglich in Richtung der Buchenwald-Gedenkstätte. Zum Aufziehgeräusch einer Spieldose

beginnt sich die Gestalt immer schneller zu drehen bis sie schließlich zusammenbricht. Tschäpe verwandelt ein trauriges Fabelwesen in eine Allegorie, die sowohl die literarische Bedeutung des Ortes als auch die unvergesslichen Gräuel, die dort stattfanden, evoziert.

Using various mediums, including video, photography, installation, and drawing, Janaina Tschäpe has created an enigmatic, mythological cosmos centering around the transformation of the female body. Mysterious hybrid forms and surreal landscapes inhabit the works of the German-Brazilian artist, who was born in 1973 and lives in New York. The starting point for these grotesque transformations is her own body or that of another person, and her creatures, constructed of air- or water-filled latex costumes, balloons, and plastic tubes, sport abstruse limbs and appendages. Visitors can see one such fantastic beast in her video Lacrimacorpus (2004), which is on view in the Once Upon a Time exhibition at the Deutsche Guggenheim. In support of the exhibition, Tschäpe has contributed a photo edition of the same name, limited to 20 copies. It features the figure from this video, which was inspired by a legendary creature in Jorge Luis Borges’s Manual de zoología fantástica (Book of Imaginary Beings, 1957), the squonk, also called Lacrimacorpus dissolvens. When cornered, this shy, unsightly being completely

dissolves into tears. In Tschäpe’s film, this creature is female and dances in an abandoned ballroom, spinning faster and faster until she collapses, within the Castle of Ettersburg near Weimar. This summer residence of Duchess Anna Amalia from 1776 to 1780 was a place where great intellectuals such as Johann Wolfgang von Goethe and Friedrich Schiller met. In Lacrimacorpus, Tschäpe overlays this reference to German poets and thinkers with a ­traumatic chapter of recent history. During the Nazi reign, the Buchenwald concentration camp was built near the castle. Thus, the surreal portrayal alludes to the difficulties of dealing with this cruel chapter in German history and with “German” identity. In the photo edition, the video’s costumed protagonist, wearing a frill made of balloons that suggests a stream of tears, looks out of the ballroom window in the direction of the castle park, perhaps toward the Buchenwald memorial. Tschäpe transforms a sad, mythical being into an allegory that evokes its literary antecedent and also calls to mind the unforgettable cruelty committed at the site.

Deutsche Guggenheim Magazine

Issue 16 Summer 2011

Janaina Tschäpe, Lacrimacorpus (Ettersburg III), 2011. Chromogenic Print, 45.7 × 37.8 cm. Limitierte und signierte Auflage von 20 Exemplaren + 5 AP, Preis: 450 Euro / 380 Euro (Deutsche Guggenheim Club) Limited and signed edition of 20 + 5 AP, price: € 450 / € 380 (Deutsche Guggenheim Club)

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On View

by Marc Glöde © La Cinémathèque française

Crystalline description was already reaching the indiscernibility of the real and the imaginary, but the falsifying narration which corresponds to it goes a step further and poses inexplicable differences to the present and alternatives which are undecidable between true and false to the past. The truthful man dies, every model of truth collapses, in favour of the new narration. Gilles Deleuze, Cinema 2: The Time Image (1989) When French philosopher Gilles Deleuze, in considering the development of a new cinema after World War II, dealt with the essential dynamics of and fundamental break in cinematic form, his critique of existing narrative strategies not only played a crucial role, but he also challenged the filmic image as such. In particular, the powers of falsity and the relationships among image, truth, and lies became highly significant for Deleuze. It hardly comes as a surprise that, starting in the mid-1990s, this issue again gained

The pictures increasingly depart from the classical place of presentation and enter into free interplay with the space.

Georges Méliès, La voyage dans la lune, 1902. Blackand-white film, 14 min. at 16 frames per second, 8 min. at 25 frames per second

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Gilles Deleuze, Das Zeit-Bild. Kino II (1990) Als Gilles Deleuze sich in seinen Überlegungen zu den Entwicklungen eines neuen Kinos nach dem 2. Weltkrieg mit den wesentlichen Dynamiken einer Veränderung der Filmform bzw. eines Bruchs beschäftigte, spielten nicht nur die kritische Hinterfragung bestehender Erzählstrategien eine entscheidende Rolle, sondern auch die Infragestellung des Filmbildes selbst. Insbesondere die „Mächte des Falschen“ und die Diskussion des Verhältnisses von Bild, Wahrheit und Lüge nahmen für Deleuze dabei einen zentralen Stellenwert ein. Dass diese Fragestellung ab Mitte der 1990er Jahre im Zusammenhang mit der Verschiebung vom gefilmten zum gerechneten Bild und zu digitalen Bildwelten erneut an Relevanz gewonnen hat, verwundert kaum. Gerade in den zahlreichen Videoarbeiten und Videoinstallationen, die seit Mitte der 1990er Jahre verstärkt in Museen vorzufinden sind, wurde nicht

Die Mondlandung hat Künstler immer wieder zu fantastischen Erzählungen bewegt der Wand orientierte Leinwand) und geraten über Monitore und bespielbare Medienwände in ein freies Spiel mit dem Raum. Dabei können sie die Architektur des Museums und des Kinos durchaus verlassen und neue Annährungsweisen der Betrachter einfordern. So werden beispielsweise Internetplattformen zu neuen Spielwiesen mit ganz eigenen ästhetischen Dynamiken, wie z.B. jüngere Arbeiten von Ryan Trecartin und Lizzie Fitch zeigen. Fasst man diese Aspekte zusammen, so lässt sich festhalten, dass es bei diesen neuen Entwicklungen um nicht weniger als eine fortschreitende Abstraktion des Visuellen geht. Damit aber, und das wird oft übersehen, stellt sich jedoch auch erneut die Frage des Lügens, des Fabulierens und somit des Märchenhaften, was sich eben nicht zuletzt in jener stark steigenden Anzahl verschiedenster filmischer Formate widerspiegelt. Die Bandbreite des märchenhaften reicht hierbei von Matthew Barneys Cremaster (1995–2002) Filmreihe, über jene zwischen Traum und Trauma angesiedelten Filminstallationen wie Eija-Liisa Ahtilas Tänään (Heute, 1996–97) oder Consolation Service (1999), bis hin zu pseudo-dokumentarischen Fantasien wie beispielsweise Das Begräbnis der Marlene Dietrich (1999) von T. J. Wilcox. Diese Tendenz zeigt sich in einer Vielzahl von Installationen. Wenn also das Bild uns grundsätzlich weniger denn je ein Verständnis des Realen ermöglicht, sondern uns ganz im Gegenteil

between dreams and trauma, such as Eija-Liisa Ahtila’s Tänään (Today, 1996–97) and Consolation Service (1999), to pseudodocumentary fantasies such as T. J. Wilcox’s Das Begräbnis der Marlene Dietrich (The Funeral of Marlene Dietrich, 1999). If the image is less able to help us to fundamentally understand the real—quite the contrary, it refers us to the powers of falsity—then we must comprehend its new potentials and make © VG Bild-Kunst, Bonn 2011

rechte Seite right page: Aleksandra Mir, First Woman on the Moon, 1999—. Color video, with sound, 12 min., publicity stills, and open-ended archive originating from the live event on August 28, 1999. Produced by Casco Projects, Utrecht, on location in Wijk aan Zee, The Netherlands. Solomon R. Guggenheim Museum, New York, Purchased with funds contributed by the International Director’s Council and Executive Committee Members 2005.62

Bereits die kristalline Beschreibung erreicht die Ununterscheidbarkeit von Realem und Imaginärem, aber die falsifizierende Erzählung, die ihr entspricht, geht einen Schritt darüber hinaus und setzt in der Gegenwart unerklärbare Differenzen und in der Vergangenheit unentscheidbare Alternativen zwischen dem Wahren und dem Falschen. Der wahrhaftige Mensch stirbt, jedes Wahrheitsmodell bricht zusammen und macht einer neuen Erzählung Platz.

relevance during the shift from filmed to calculated images and digital image worlds. The numerous video works and installations that one increasingly encountered in museums from the mid1990s onward addressed one of the most elementary changes to image worlds and their features. These new spaces for visual images categorically departed from cinematography’s previously mimetic conditions. That is, they no longer functioned in a direct, analogue manner in that light rays impress an actual space on celluloid or our eyes; they instead reordered perception on a level separated from human vision. As art historian Jonathan Crary aptly stated, such picture forms no longer have anything to do with the viewer’s direct relationship to a perceivable world. Moreover, they increasingly depart from the classical place of presentation (the canvas on the wall) and, via monitors and media walls, enter into free interplay with the space, which can abandon the architecture of museums and cinemas and call for new approaches on the part of viewers. Thus, for example, Internet platforms have become new playgrounds with a completely distinctive aesthetic, as the more recent works of Lizzie Fitch and Ryan Trecartin show. This tendency is apparent in a number of installations. Taken together, at issue in these new developments is an increasing abstraction of the visual. This, in turn, leads to questions of how the image is related to truth, lying, and storytelling. In other words, what constitutes truth or lies in film? How does the photographic medium relate to the idea of making fables? These new inquiries are reflected in a growing number of filmic formats. The scope of the fabulous ranges from Matthew Barney’s cremaster film series (1995–2002), to film installations situated

© VG Bild-Kunst, Bonn 2011

Once Upon a Time

weniger als eine der elementarsten Veränderungen im Hinblick auf die Frage nach neuen Bildwelten und ihren Eigenschaften adressiert. Diese neuen visuellen Bildräume setzen sich von den bisherigen mimetischen Bedingungen des Filmischen kategorisch ab, d.h. sie funktionieren nicht mehr direkt analog im Sinne von Lichtwellen, die einen wirklichen Raum in ein Zelluloid oder unsere Augen prägen, sondern ordnen das Sehen auf einer vom menschlichen Sehen getrennten Ebene neu an. Eine solche Form der Bilder hat, wie Jonathan Crary treffend formuliert hat, nichts mehr mit einem unmittelbaren Verhältnis des Betrachters zu einer wahrnehmbaren Welt zu tun. Darüber hinaus verlassen die Bilder zudem immer stärker die klassischen Orte der Präsentation (die an

Deutsche Guggenheim Magazine

Issue 16 Summer 2011

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On View

If the image is less able to help us to fundamentally understand the real, then we must comprehend its new potentials and make them experienceable. field. What is striking, though, is the recurrence of one motif that has become a prime example of cinematic fabulation: the moon landing. Since the end of the nineteenth century, the idea of this endeavor has inspired artists and repeatedly prompted fantastic narratives. Jules Verne and H. G. Wells presented literary versions, which in turn were popular as films (right after this invention). One of the earliest cinematic versions is Georges Méliès’s film La Voyage dans la lune (A Trip to the Moon, 1902). Later, great directors as Fritz Lang (Frau im Mond [By Rocket to the Moon], 1929), Robert Altman (Countdown, 1968), and Stanley Kubrick (2001, 1968) as well as numerous science-fiction B movies treated the topic in depth. Even after the moon landing in 1969, the motif continues to play a key role in fantastic narration. Aleksandra Mir’s First Woman on the Moon (1999—) is a wonderful example of such a fantasy, in which the artist questions the origin of this modern, legendary event. On the 30th anniversary of the first moonwalk, Mir staged a moon landing on a Dutch beach. She modeled a moonscape and reenacted the landing with a female astronaut planting the American flag in the ground. There are only pictures and accounts of this action, akin to the original landing on the moon, which only very few people have experienced. Nevertheless, this event fires the imagination of space-travel enthusiasts today, as well as that of conspiracy theorists who believe the landing was staged (by no less a person than Stanley Kubrick). For Pierre Huyghe, by contrast, the question of the real does not seem to be central since visually One Million Kingdoms (2001), as an animation, is far from making any such claims. Acoustically, however, the question of mingling truth and fiction becomes all the more pressing. Here, passages from Jules Verne’s Voyage au

We ought to enter into this realm of fables and lies, as a moment that is open to experience. centre de la terre (Journey to the Center of the Earth, 1864) overlap with sound sequences that refer to American astronauts Neil Armstrong and Buzz Aldrin’s lunar transmissions, forming an idiosyncratic amalgamation. Detached from the forms of realistic reproduction (on the part of the artist) and cognition (on the part of the viewer), such fabulous approaches often reveal what it means to use and develop these now free forms of cinematography. In this regard, the works are often reminiscent of a feverish dream. By joining what is incompatible, a truly novel space of possible thoughts emerges, something that traditional forms of cinematography can often 6

© 2011 Pierre Huyghe. Courtesy the artist and Marian Goodman Gallery, New York and Paris

© 2011 Francis Alÿs. Courtesy Galerie Peter Kilchmann, Zurich

them experienceable. The exhibition Once Upon a Time, on view at the Deutsche Guggenheim, assembles several cinematic positions that deal with mythmaking potential. Vacillating between documentary and mockumentary, between analogue filmic images and animation, these works suggest the complexity of this

auf die Mächte des Falschen verweist, gilt es, diese Potentiale zu begreifen und erfahrbar zu machen. In der Ausstellung Once Upon a Time sind einige dieser filmischen Positionen, die sich mit den Potentialen des Fabulierens beschäftigen, zusammengestellt. Changierend zwischen „Documentary“ und „Mockumentary“, zwischen analogem Filmbild und Animation eröffnen die Arbeiten

An den Rändern des Märchens werden wir dem Realen wieder habhaft einen Blick auf die Vielschichtigkeit dieses Feldes. Dabei fällt jedoch auf, dass besonders ein Motiv immer wieder erscheint und geradezu zu einem Paradebeispiel des filmischen Fabulierens geworden ist: die Mondlandung. Seit dem ausgehenden 19. Jahrhundert hatte die Idee dieses Unterfangens Künstler inspiriert und immer wieder zu fantastischen Erzählungen bewegt. H. G. Wells und Jules Verne legten literarische Erzählungen vor, die wiederum im Film (unmittelbar nach dessen Erfindung) eine Resonanz fanden. Eines der frühesten Beispiele ist hier sicherlich der 1902 von Georges Méliès geschaffene Film La Voyage dans la lune. Später sollten keine geringeren als Fritz Lang (Frau im Mond, 1929), Robert Altman (Countdown, 1968) oder Stanley Kubrick (2001: A Space Odyssey, 1968), sowie zahllose Science-Fiction B-Pictures das Thema intensiv bearbeiten. Selbst nach der Realisierung dieses Unterfangens blieb das Motiv ein Drehpunkt fantastischen Erzählens. Deutsche Guggenheim Magazine

Pierre Huyghe, One Million Kingdoms, 2001. Color video projection, with sound, 7 min., edition 5/6. Solomon R. Guggenheim Museum, New York, Purchased by exchange, with funds contributed by the International Director’s Council and Executive Committee Members 2002.14 linke Seite left page: Francis Alÿs, When Faith Moves Mountains (Cuando la fe mueve montañas), 2002. Three-channel color video installation, with sound, two channels transferred from 16 mm film, projected, 34 min. each, one channel on monitor, 6 min., overall dimensions variable, edition 1/4. Solomon R. Guggenheim Museum, New York. Purchased with funds contributed by the International Director’s Council and Executive Committee Members 2002.59

no longer create. Precisely here, in frenzied interstices and fabulous dreams, forms of potentiality arise that do not cease to ask us what reality, the fable, the image, and—not least—we ourselves mean. In other words, we ought to enter into this realm of fables and lies, as a moment that is open to experience, as a potential. What is interesting, however, is that, as these forms of fabulation grow in power, a unique presence of the facticity of the cinematographic dispositif emerges. The more intense the fable, the stronger the possibility of discerning the reality of the cinematographic narrative at the fringes of the artwork. For example, in Stan Douglas’s Der Sandmann (1995), the narration combines suppressed memories and alienation in a Schrebergartensiedlung, a colony of allotment gardens in post–Cold War Berlin, to adapt a famous literary work and engender an almost delirious moment. Yet as these narrative strands merge, the formal editing techniques,

The more intense the fable, the stronger the possibility of discerning the cinematographic narrative. with which Douglas creates a disquieting visual experience, become more manifest. It seems paradoxical, but at the fable’s fringes we seem to again comprehend the forms of the real. Even more than this: in some of the film sequences, individual aspects of real occurrence are exaggerated to a degree that makes it difficult to Issue 16 Summer 2011

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On View

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Courtesy the artist and Elizabeth Dee, New York

Ryan Trecartin, The Re’Search (Re’Search Wait’S), 2009–10. HD video, 40 min., 9 sec.

Träumen, entstehen Möglichkeitsformen, die nicht aufhören uns zu befragen, was das denn sei: die Realität, das Märchen, das Bild und nicht zuletzt – wir selbst. Mit anderen Worten: Es gilt, in dieses Reich der Märchen und Lügen als ein offenes Erfahrungsmoment, als Potentialität vorzustoßen. Es ist jedoch interessant festzustellen, dass mit zunehmender Stärke dieser Formen des Fabulierens fast gleichsam eine eigenartige Präsenz der Faktizität des filmischen Dispositivs entsteht. Man könnte sagen: Je intensiver das Märchen sich präsentiert, desto stärker erscheint die Möglichkeit, an den Rändern dieser Erzählungen die Realität der filmischen Erzählung selbst zur Kenntnis zu nehmen. Stan Douglas’ Arbeit Der Sandmann (1995) ist ein Beispiel für eine solche Situation. Indem die Erzählung unterdrückte Erinnerungen und die Entfremdung in einer Schrebergartensiedlung im Nachkriegsberlin mit der Adaption jener berühmten literarischen Vorlage verbindet, entsteht ein fast delirierendes Moment. Umso stärker diese Erzählstränge aber ineinanderlaufen, desto stärker treten auch die formalen Filmschnitttechniken hervor, mit welchen Douglas eine beunruhigende Seherfahrung erzeugt. Und es erscheint geradezu paradox, aber an den Rändern des Märchens werden wir den Formen des Realen scheinbar wieder habhaft. Mehr noch: In manchen filmischen Konstellationen erscheinen Momente des Realen derart auf die Spitze getrieben, dass wir kaum glauben können, dass das, was wir nun sehen, keine Flunkerei, sondern wirklich vor der Kamera geschehen ist. So auch in Francis Alÿs’ Videoarbeit When Faith Moves Mountains (2002), in der eine banale Tätigkeit geradezu ins Sakrale erhoben wird. Die eigentlich nüchterne Tatsache, dass 500 Arbeiter mit Schaufeln einen Sandberg um nur wenige Zentimeter verschieben, erscheint wie eine Fata Morgana. Es stellt sich gleichzeitig die Frage, ob es immer noch der Glaube an die Arbeitskraft ist, welche Berge versetzt, oder doch eher der Glaube an die suggestive Kraft der Bilder. Im Zusammenhang mit dem Gedanken einer solchen Um- und positiven Neubewertung des Fabulierens tritt mit der Präsentation

© Stan Douglas

Aleksandra Mirs First Woman on the Moon (seit 1999) ist ein wunderbares Beispiel für eine solche Fantasie, in welcher die Künstlerin gleichsam die Entstehung moderner Legenden hinterfragt. Am dreißigsten Jahrestag der ersten Begehung des Mondes inszenierte Mir an einem holländischen Strand eine Mondlandung. Sie modellierte eine Mondlandschaft und stellte die Landung mit einer Astronautin nach, welche die amerikanische Flagge in den Boden pflanzt. Von dieser Aktion existieren nur Bilder und Geschichten, die man vom Hörensagen kennt – was jedoch Ähnlichkeiten zu jener Originallandung aufweist, die ebenfalls nur Wenige tatsächlich miterlebt haben. Nichtsdestotrotz beflügelt die Geschichte aber bis heute die Fantasie von Raumfahrtenthusiasten wie von Verschwörungstheoretikern, die diese Landung als inszeniert ansehen (und zwar von keinem geringeren als Stanley Kubrick). Demgegenüber erscheint die Frage des Realen bei Pierre Huyghe zunächst nicht zentral zu sein – ist doch der Film One Million Kingdoms (2001) als Animation visuell fernab jeglichen Anspruchs in dieser Richtung. Auf der akustischen Ebene jedoch verschärft sich die Frage nach der Vermischung von Wahrheit und Fiktion dafür umso mehr. Hier überlagern sich Passagen aus Jules Vernes Roman Reise zum Mittelpunkt der Erde (1864) mit Tonsequenzen, die ihren Referenzpunkt in den Konversationen von Neil Armstrong und Buzz Aldrin finden und so ein eigenwilliges Amalgam bilden. Losgelöst aus den Formen des realistischen Abbildens (auf Seiten des Künstlers) und Erkennens (auf Seiten des Betrachters) zeigt sich in solch märchenhaften Ansätzen oftmals, was es bedeutet, diese freigewordenen Potentiale des Filmischen zu nutzen und zu entwickeln. Diese Arbeiten erinnern damit nicht selten an die eigenwillig delirierenden Momente eines Fiebertraums. Indem Nichtvereinbares zusammengestellt wird, entwickelt sich ein wirklich neuer Raum für Denkmöglichkeiten, den die tradierten Formen des Filmischen oft nicht mehr erzeugen können. Eben hier, in jenen fiebrigen Zwischenräumen, jenen märchenhaften

der Videoarbeiten in Once Upon a Time schließlich ein weiterer Mythos nochmal deutlich vor Augen – und zwar kein geringerer als Platons Höhlengleichnis. Dieses Gleichnis erfährt im Dialog mit den gezeigten Videoarbeiten jedoch eine interessante Wendung. Denn während bei Platon die Erfahrung der Welt mittels

Diese Arbeiten erinnern an Momente eines Fiebertraums Schatten in einer Höhle immer den Status eines primitiven Lebens erhält, eines Zustandes der überwunden werden muss, wird diese Vorstellung durch die Arbeiten von Once Upon a Time geradezu konterkariert. Für Platon ist die Situation menschlicher Welterfahrung zum einen immer vermittelt, das heißt, es gibt keinen direkten Zugriff auf die Realitäten der Welt, und zum anderen immer ein passiver Vorgang. Dabei erscheint die Welt im Licht der Sonne und Realitäten immer positiv konnotiert gegenüber dem mediokren Abglanz der Schatten. Im Gegensatz zu Platons positiver Konnotation einer Erfahrung der Sonne, kann man in den Videoarbeiten von Once Upon a Time nun das Schattenreich in einem eher positiven Licht erfahren. Gerade in einer Kultur des digital generierten Bildes, so möchte man feststellen, scheint die Videoinstallation entscheidende Erfahrungspotentiale zu bieten. Es kommt insofern nicht darauf an, jenen Zustand des Sehens weiter zu degradieren, sondern stattdessen die Qualitäten der Fiktion anzuerkennen und darüber hinaus die Realitäten und Bedingungen dieses Gefüges für nichts weniger als eine neue Form der Narration zu nutzen. Deutsche Guggenheim Magazine

Stan Douglas, Der Sandmann, 1995. Two-track 16mm black-and-white film projections, with sound, 9 min., 50 sec., continuous loop, edition 2/2. Solomon R. Guggenheim Museum, New York, Gift, The Bohen Foundation 2000.57

believe that what we’re seeing is not fake, but has really happened in front of the camera. This also goes for Francis Alÿs’s video work When Faith Moves Mountains (2002), in which a banal act is virtually elevated to the sacred. What is essentially a sober affair—500 workers using shovels to move a mountain of sand only a few centimeters away—suddenly seems like a mirage. The question arises as to whether the belief in the power of work moves mountains or whether it’s the belief in the evocative power of images. In conjunction with its positive reassessment of creating such fantastical worlds, Once Upon a Time uses video to make evident another myth: Plato’s cave. In dialogue with the works, however, this allegory experiences an interesting turn. While for Plato, the experience of the world via shadows in a cave always retains a primitive status, a state that must be overcome, this notion is all but contradicted by Once Upon a Time. For him, human experience is, on the one hand, always mediated, meaning that there is no direct access to the realities of the world, and, on the other, it is always a passive process. The world under the sun and the realities are always connoted vis-à-vis the mediocre paleness of shadows. As opposed to Plato’s connotation of experiencing the sun, one can now experience the realm of shadows in a rather positive light in these videos. One comes to realize that precisely in a culture of digitally generated images, the video installation offers decisive experiential potential. In this respect, it is not about further degrading the state of visual perception, but rather about acknowledging the qualities of fiction and, in addition, actively using the realities and conditions of this structure to create nothing less then new narratives for our time. Issue 16 Summer 2011

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Context

© David Altmejd. Photo: Courtesy of the Artist and Andrea Rosen Gallery

To Tell a Tale Fantasy and Narrative in Contemporary Art by Joan Young © Francesco Clemente

Once Upon a Time im Deutsche Guggenheim ist der Versuch, formale und thematische Verbindungen zwischen den unterschiedlichsten Videoarbeiten aus der Sammlung des Guggenheim Museums zu finden. Als Kuratorin interessierte mich dabei vor allem, welche Aspekte der Gegenwart sich in ihnen widerspiegeln. Dabei ist die Tradition des Geschichtenerzählens uralt: Geschichten unterhalten, bilden und inspirieren. Schon vor der Schrift wurden Zeichen und Zeichnungen genutzt, um Märchen zu überliefern. Heute erscheinen Filme und Videos als passende Medien, um Geschichten zu erzählen. Doch auch andere künstlerische Medien greifen narrative Traditionen auf. Um das Leitmotiv von Once Upon a Time zu verdeutlichen, werden hier zeitgenössische Werke aus den Bereichen Malerei, Fotografie und Installation aus der Sammlung des Guggenheim Museums vorgestellt, die Märchenhaftes und Mythisches adaptieren. Once Upon a Time, on view at the Deutsche Guggenheim, evolved from an exercise of analyzing the Guggenheim Museum’s collection for formal or thematic connections among the artworks. As a curator, I am interested in what our collection reflects about our times. The tradition of storytelling is, of course, an ancient one; stories entertain, educate, and inspire. Prior to the advent of writing, marks and drawings were used to convey tales and teach lessons. While the time-based mediums of film and video featured in this exhibition are particularly apt storytelling practices, other forms of art making also engage narrative traditions. What follows is a selection of contemporary works in painting, photography, sculpture, and installation from the collection that complement the leitmotif explored through video in Once Upon a Time.

Francesco Clemente, Scissors and Butterflies, 1999. Oil on linen, 233.7 × 233.7 cm. Solomon R. Guggenheim Museum, New York, Anonymous gift 99.5280

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Schon lange spielen Literatur und Mythologie eine wichtige Rolle in Francesco Clementes Gemälden und Zeichnungen. Der italienische Künstler bezog seine Inspiration von den Dichtern der Beat-Generation und indischen Sagen. Clemente begann seine internationale Laufbahn in den 1980ern und wurde mit der italienischen Transavanguardia bekannt – einer Künstlergruppe, deren Ziel es war, die Malerei durch persönlichen Ausdruck, erzählerische Inhalte und Einflüsse der unterschiedlichsten Epochen und Kulturen neu zu beleben. Scissors and Butterflies (1999) veranschaulicht Themen, die er in seinen Arbeiten immer wieder aufgreift: beschwörende Sinnlichkeit und fantastische Metamorphosen. Die Figuren transformieren von Mensch zu Insekt. Augenwimpern verwandeln sich in Antennen, Gewalt wird spürbar. So erinnern die überlangen Beine an Scheren, doch die zarten Schmetterlinge vermitteln zugleich eine subtile Leichtigkeit.

Literature and mythology have long played a role in the paintings and drawings of Francesco Clemente, an Italian artist who has drawn inspiration from such sources as Beat poetry and Indian folktales. Clemente emerged in the 1980s and became associated with the Transavanguardia group, which revitalized painting through personal expression, narrative content, and transcultural and transhistorical explorations. Scissors and Butterflies (1999) depicts some of his recurrent themes including an evocative sensuality and fantastical metamorphoses. Here, figures appear in a moment of transformation from human to insect, their eyelashes turning into antennae. Infused with an intimation of violence (their elongated legs echoing scissors), a levity also prevails in the delicate butterflies.

Einige Künstler entwerfen in ihren Arbeiten ganz eigenständige fantastische Welten. So entwickelt David Altmejd in seinen Installationen abgründige Welten, die von mythischen Kreaturen in verschiedenen Zuständen des Zerfalls und der Transformation bevölkert werden. Es sind konstruierte Mikrokosmen, die an modernistische Plexiglaskuben oder Gewächshäuser denken lassen. Hier sprießen künstliche Blumen oder groteske Werwolfköpfe, auf denen Kristalle und Juwelen wuchern. Feine goldene Ketten, die häufig von Vögeln getragen werden, verbinden all diese unterschiedlichen Elemente wie eine Art Blutkreislauf oder Nervensystem. Wie Altmejd es selbst beschreibt, wird sein Universum von einer Energie der Veränderung und Regeneration angetrieben – die sich wie ein Virus beständig weiter verbreitet und alles mutieren lässt.

Deutsche Guggenheim Magazine

Some artists propose purely fantastic worlds. David Altmejd’s elaborate installations suggest otherworldly cosmologies inhabited by mythical creatures in various stages of decay and transformation; constructed microcosms that evoke modernist cubes of Plexiglas or a mirrored glass house with artificial flowers and birds, alongside grotesque werewolf heads and limbs in stages of metamorphosis, sprouting crystals and jewels. Fine golden chains form the circulatory or nervous system that links these elements together. These dreamlike, labyrinthine environments reveal an alternate universe, which, as the artist describes, activates and shepherds the energy of mutation and regeneration.

Issue 16 Summer 2011

David Altmejd, The University 2, 2004. Wood, paint, plaster, resin, mirrored glass, Plexiglas, wire, glue, plastic, cloth, synthetic hair, jewelry, glitter, minerals, paper, beads, synthetic flowers, electricity, and lightbulbs, 271.8 × 546.1 × 640.1 cm. Solomon R. Guggenheim Museum, New York, Purchased with funds contributed by the International Director’s Council and Executive Committee Members with additional funds contributed by the Young Collectors Council 2004.126

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Context

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Die klassischen Geschichten der Kindheit sind für viele Künstler ebenfalls ein zentraler Aspekt ihrer künstlerischen Erkundungen. Anna Gaskells Wonder-Serie übernimmt verschiedene Aspekte aus Lewis Carrolls Alice’s Adventures in Wonderland (1866). Alice erscheint als Zwillingspaar: Die beiden Doppelgängerinnen müssen psychologisch aufgeladene Situationen durchleben, die Desorientierung und Unbehagen vermitteln. Gaskell spielt dabei mit den unterschiedlichen Formaten ihrer 20 Fotografien, um die Größenunterschiede anzudeuten, die Alice in Carrolls Geschichte körperlich erfährt. Die Fotografien selbst erzählen keine schlüssige Geschichte. Doch der Betrachter kann diese isolierten Momente mittels Erinnerungen und Fantasien aus der eigenen Kindheit ausgestalten und selbst zu einer fantastischen Erzählung zusammenfügen.

Some artists explore classic tales from their childhoods. Anna Gaskell’s wonder series, borrowing from Lewis Carroll’s Alice’s Adventures in Wonderland (1866), stages a pair of twin girls in psychologically probing scenes often infused with a sense of fear, disorientation, or unease. Gaskell even varies the sizes of the photos to suggest the physical shifts in scale that Alice experiences in the tale. While a narrative thread seems to link the 20 images of this series, the photos do not tell a continuous story: isolated moments are captured for the viewer to assemble and embellish, perhaps with memories and fantasies from their own childhoods.

© Pipilotti Rist. Photo: David Heald

© 2011 Anna Gaskell

clockwise from top left: Anna Gaskell, untitled #6 (wonder), 48.3 × 59 cm; untitled #1 (wonder), 38.7 × 47.3 cm; untitled #2 (wonder), 120.8 × 100.6 cm; untitled #3 (wonder), 149.1 × 121.8 cm. All works 2006, chromogenic prints, A.P. 2/2, edition of 5, Solomon R. Guggenheim Museum, New York, Purchased with funds contributed by the Young Collectors Council 97.4581, 97.4577, 97.4578; untitled #3: Gift, Nina and Frank Moore 2004.104

Pipilotti Rist schließlich verweist bereits in ihrem Namen, der sich aus ihrem Spitznamen Lotti und dem Namen der Heldin ihrer Kindheit, Pippi Langstrumpf, ergibt, auf ihren Hang zur Welt der Fantasie. Im Rahmen ihrer Installationen, deren Dimensionen von daumengroßen Monitoren bis hin zu raumfüllenden Arbeiten reichen können, stellt Himalaya’s Sister’s Living Room eines jener Environments dar, in denen Rist die häusliche Umgebung untersucht. Die Betrachter werden eingeladen, durch ein schwach ausgeleuchtetes Interieur zu gehen, in dem sich verschiedenste Möbel und Objekte verteilen. Aus den hinterlassenen Drinks, Spielen, Snacks, Büchern und Magazinen lassen sich die Geschichten früherer Bewohner rekonstruieren. Versteckte Projektoren projizieren zudem Videos auf die Objekte – wie mögliche Erinnerungen, die mit diesen zurückgelassenen Gegenständen zusammenhängen. Deutsche Guggenheim Magazine

Having combined her childhood nickname Lotti with that of children’s book heroine Pippi Longstocking, Pipilotti Rist has long asserted her engagement with the world of fantasy, though she moves beyond childhood traditions. With installations ranging from thumb-size monitors to room-size installations, Himalaya’s Sister’s Living Room is one of several environments Rist has made that explore domestic space. Viewers are invited to wander through a dimly lit interior that is inhabited with furniture and objects, piecing together a story of past residents from their games and toys, drinks and snacks, and books and magazines. Videos are cast onto objects from hidden projectors, animating the memories that might have originated with these artifacts.

Issue 16 Summer 2011

Pipilotti Rist, Himalaya’s Sister’s Living Room, 2000. Video installation with ten projectors, wallpapered wood panels, furniture, toys, food, books, clothing, and various found objects, with sound, dimensions variable. Solomon R. Guggenheim Museum, New York, Gift, Heather and Tony Podesta Collection 2004.113

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What to See – Guggenheim Foundation

Lee Ufan: Marking Infinity

BMW Guggenheim Lab

Solomon R.  Guggenheim Museum 24. 6.– 28. 9. 2011

Solomon R.  Guggenheim Museum 3. 8.– 16. 10. 2011

Marking Infinity zeigt den Künstler-Philosophen Lee Ufan als historische Figur und Meister der Gegenwartskunst und dokumentiert die Entwicklung einer visuellen, konzeptionellen und theoretischen Sprache, die die post-minimalistische Malerei und Skulptur radikal erweitert hat. Lee, der 1936 in Korea geboren wurde und in Japan und Europa arbeitet, ist international für ein Werk bekannt, das uns dazu auffordert, die „Welt so zu nehmen, wie sie ist“. Die Ausstellung umfasst 90 Arbeiten von 1960 bis in die Gegenwart, darunter Lees großformatige, ikonische Skulpturen, die aus Stahlplatten und Steinen komponiert sind, sowie Meisterwerke aus seinen fünf bedeutendsten Gemäldeserien.

Marking Infinity presents artist-philosopher Lee Ufan as a historical figure and contemporary master, charting his creation of a visual, conceptual, and theoretical terrain that has radically expanded Post-Minimalist painting and sculpture. Born in Korea in 1936 and active in Japan and Europe, Lee is internationally acclaimed for an innovative body of work that induces us to encounter “the world as it is.” The exhibition features 90 works from the 1960s to the present, including large-scale iconic sculptures composed of steel plates and stones, and masterworks of Lee’s five major painting series. Alexandra Munroe

Photo courtesy Atelier Bow-Wow

Photo: G. R. Christmas, courtesy Pace Gallery, New York

Lee Ufan, Relatum— silence b, 2008. Steel and stone, plate, 280 × 226 × 1 cm; stone, approximately 80 cm high. Courtesy Pace Gallery, New York, and Blum & Poe, Los Angeles. Installation view: Lee Ufan, PaceWildenstein, New York, 19. 9.– 25. 10. 2008

Think Tank, Kommunikationszentrum und Versammlungsort in einem: Das erste BMW Guggenheim Lab bringt einen Stadtaktivisten, einen Erfinder, einen Journalisten und zwei Architekten zusammen, um zukunftsweisende Entwürfe zum Thema Confronting Comfort zu entwickeln. In einem temporären, vom Designbüro Bow Wow konzipierten Bau finden in Downtown New York eine interaktive Ausstellung, tägliche Events und ein öffentliches Programm statt. In den nächsten sechs Jahren wird das Lab dann in neun Städten Station machen, wobei das Thema im zweijährigen Zyklus wechselt. Confronting Comfort wird 2012 unter anderem in Berlin zu sehen sein, wo sich eine Schnittstelle mit dem Deutsche Guggenheim bildet. Das Finale des ersten Zyklus bildet dann eine abschließende Ausstellung in New York. on view In New york

A think tank, community center, and gathering space, the first

BMW Guggenheim Lab brings together an urban activist, an in-

ventor, a journalist, and two architects to develop forward-looking designs on the theme of “confronting comfort.” In a temporary structure in downtown New York designed by Atelier Bow-Wow, an interactive installation, daily events, and public programs will take place. Following its New York presentation, the Lab journeys to Berlin in 2012. Deutsche Guggenheim will collaborate with the Lab on selected programs. With a new team at each location, the Lab will travel to nine cities over six years in consecutive twoyear thematic cycles that culminate in a New York exhibition. Maria Nicanor and David van der Leer Solomon R.  Guggenheim Museum   1071 5th Avenue, New York, NY 10128 UPCOMING

The Hugo Boss Prize 2010: Hans-Peter Feldmann until  2. 11. 2011

Kandinsky’s Painting with White Border 21. 10. 2011 – 15. 1. 2012 Maurizio Cattelan: All 4. 11. 2011– 22. 1. 2012

von links left to right: Hans-Peter Feldmann

This exhibition is made possible with lead sponsorship from Samsung. Major support is provided by the Korea Foundation. Generous funding is also provided by The Japan Foundation. Additional support is provided by the E. Rhodes and Leona B. Carpenter Foundation. The Leadership Committee for Lee Ufan: Marking Infinity is gratefully acknowledged.

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Atelier Bow-Wow, BMW Guggenheim Lab, New York. Presentation model, view from Houston Street, showing a workshop setting

Maurizio Cattelan, La rivoluzione siamo noi, 2000

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What to See – Guggenheim Foundation

Painterly Abstraction, 1949–1969: Selections from the Guggenheim Collections

Ileana Sonnabend. An Italian Portrait

Guggenheim Museum Bilbao until  8. 1. 2012

Peggy Guggenheim Collection until  2. 10. 2011

Painterly Abstraction explores important postwar trends in American and European art. With the emergence of Art Informel in Europe, many embraced the expression of artistic freedom. Alberto Burri and Antoni Tàpies applied materials other than oil paint to their canvases while artists like Yves Klein and Piero Manzoni explored what they considered more scientific, objective, and interactive approaches. Painting in the United States was simultaneously developing toward a gesture-based, highly expressive style. America’s first international avant-garde movements, from Abstract Expressionism to Color Field painting, were also born during this time, giving rise to the New York School especially. Drawn primarily from the Solomon R. Guggenheim Foundation and Guggenheim Museum Bilbao collections, Painterly Abstraction reveals striking affinities between artists working continents apart in the burgeoning Cold War era. Megan Fontanella

Alberto Burri, Composition (Composizione), 1953. Oil, gold paint, and glue on burlap and canvas, 86 × 100.4 cm. Solomon R. Guggenheim Museum, New York 53.1364

Ileana Sonnabend. An Italian Portrait ist ein Tribut an die in Rumänien geborene, 2007 verstorbene Galeristin, die zu den bedeutendsten Kunsthändlerinnen ihrer Zeit gehörte. Wie auch Peggy Guggenheim, war Sonnabend eine sehr fortschrittlich denkende Sammlerin und Förderin zeitgenössischer Kunst. Mit mehr als 60 Gemälden, Skulpturen und Fotografien von 47 Künstlern aus Sonnabends privater Sammlung umfasst die Ausstellung nicht nur Malerei und Bildhauerei der italienischen Gegenwartskunst, sondern auch Werke internationaler Künstler, die die italienische Landschaft und Geschichte thematisieren. Gemeinsam verdeutlichen sie die zentrale Rolle, die Italien für Sonnabends Laufbahn, ihre Neigungen und ihr ästhetisches Empfinden gespielt hat. Zu den in der Ausstellung vertretenen Künstlern gehören Lucio Fontana, Piero Manzoni oder Mario Schifano ebenso wie Protagonisten der Arte Povera wie Giovanni Anselmo, Pier Paolo Calzolari, Jannis Kounelis, Mario Merz und Gilberto Zorio. Werke der amerikanischen Künstler Jeff Koons, Roy Lichtenstein, Robert Rauschenberg und Cy Twombly und von internationalen Fotografen wie Bernd und Hilla Becher, Candida Höfer und Hiroshi Sugimoto runden die Hommage ab. Ileana Sonnabend. An Italian Portrait is a tribute to the Romanianborn gallerist who died in 2007 and was among the most formidable dealers of her time. Like Peggy Guggenheim herself, Sonnabend was also a forward-thinking collector and supporter of contemporary art. With more than 60 paintings, sculptures, and photographs by 47 artists, selected from her personal collection, the show includes not just Italian painting and sculpture but also works by international artists that address Italy’s landscape and cultural traditions. Together they illustrate the central position of the nation in Sonnabend’s career, affection, and aesthetic. Among the artists represented are Lucio Fontana, Piero Manzoni, and Mario Schifano, along with Arte Povera practitioners Giovanni Anselmo, Pier Paolo Calzolari, Jannis Kounelis, Mario Merz, and Gilberto Zorio. The work of American artists Jeff Koons, Roy Lichtenstein, Robert Rauschenberg, and Cy Twombly as well as international photographers Bernd and Hilla Becher, Candida Höfer, and Hiroshi Sugimoto round out this celebration of a cultural maven.

Guggenheim Museum Bilbao   Abandoibarra Et. 2, 48001 Bilbao on view In BILBAO

von links left to right: Paul McCarthy, Tomato Head (Burgundy), 1994. © Douglas M. Parker Studio Constantin Brancusi, The Sorceress on Watchdog, 1916–24

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The Luminous Interval: The D.Daskalopoulos Collection until 11. 9. 2011

UPCOMING

Andy Warhol, Ileana Sonnabend, 1973. Acrylic and silkscreen on canvas, 101.9 × 101.9 cm. The Sonnabend Collection

Peggy Guggenheim Collection   704 Dorsoduro, 30123 Venice on view In Venice

Brancusi—Serra 8. 10. 2011 –15. 4. 2012

© Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, by SIAE 2011

© VG Bild-Kunst, Bonn 2011

Die Ausstellung Painterly Abstraction untersucht bedeutende Strömungen in der amerikanischen und europäischen Nachkriegsmalerei. Mit dem Aufkommen von Art Informel in Europa wurden die künstlerischen Ausdrucksformen freier: So begannen etwa Alberto Burri und Antoni Tàpies mit ungewöhnlichen Materialien auf der Leinwand zu experimentieren, während Künstler wie Yves Klein oder Piero Manzoni zunehmend nach wissenschaftlichen, objektiven und interaktiven Ansätzen suchten. Gleichzeitig wurde die Malerei auch in den Vereinigten Staaten gestischer, der Stil äußerst expressiv. In Amerika entstanden zu dieser Zeit mit dem Abstrakten Expressionismus und der Farbfeldmalerei die ersten internationalen Bewegungen, die zur Gründung der New York School führten. Painterly Abstraction wurde großenteils aus den Sammlungen der Solomon R. Guggenheim Foundation und des Guggenheim Museum Bilbao zusammengestellt. Die Ausstellung verdeutlicht dabei erstaunliche Verwandtschaften zwischen Künstlern, die in der anbrechenden Ära des Kalten Krieges auf unterschiedlichen Kontinenten arbeiteten.

Works from the collection are on view.

UPCOMING

Themes and Variations 10. 2011– 4. 2012

Selections from the Guggenheim Museum Bilbao Collection II 15. 11. 2011 – 28. 8. 2012 Riccardo De Marchi, Incompleto, 2008–09

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What to See – Deutsche Bank Art

Deutsche Bank Collection, New York © Alejandro Cardenas. Photo courtesy the Artist and James Fuentes LLC, New York

Alejandro Cardenas, Shark Attack, 2010. Pen and ink, watercolor, and gouache on paper, 76.2 × 76.2 cm

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Es scheint, als würden sich die Farbströme in den Raum ausdehnen und den Betrachter in einen Wirbel aus Energie hineinziehen: Gerhard Richters gigantisches, dreiteiliges Gemälde Abstraktes Bild / Faust von 1981, das die Besucher im Foyer des Hauptsitzes der Deutschen Bank New York begrüßt, ist in mehrfachem Sinne ikonisch. Es ist nicht nur eines der bedeutendsten Werke in der weltweiten Unternehmenssammlung, sondern kennzeichnet auch die Idee des kulturellen Austausches, die der Sammlung Deutsche Bank in New York seit Anbeginn zugrunde liegt. 1979 mit dem Schwerpunkt Arbeiten auf Papier und Fotografie gegründet, begann sie damals mit 300 Arbeiten, heute finden sich in drei New Yorker Bankgebäuden rund 3.000 Werke. Ursprünglich konzentrierte sich die Sammlung auf den transatlantischen Dialog zwischen deutscher und amerikanischer Kunst. So trafen etwa Werke von Jasper Johns, Bruce Nauman, Louise Nevelson auf die von Imi Knoebel oder Georg Baselitz. Heute liegt ihr Fokus auf jungen, internationalen Positionen, die eine Epoche der rasant voranschreitenden Globalisierung und die grenzüberschreitende Hybridisierung unterschiedlicher Kulturen reflektieren – eine Entwicklung, die auch die ganze Vitalität und Vielfalt der Kunstszene New Yorks widerspiegelt. Mit ihren erstklassigen Museen und alternativen Ausstellungsund Projekträumen zieht die Stadt beständig Gegenwartskünstler

Streams of color stretch into the space, drawing the viewer into a vortex of energy. Gerhard Richter’s gigantic, three-part painting Abstraktes Bild / Faust (1981), which welcomes visitors in the lobby of Deutsche Bank’s New York headquarters, is iconic in several respects. One of the most important works in the global corporate collection, it reflects the notion of cultural exchange, which has been a central feature of the Deutsche Bank Collection in New York from the beginning. Established in 1979 with a focus on works on paper and photography, the collection originally comprised 300 works; today it contains around 3,000. While it initially concentrated on a transatlantic, visual dialogue among German and American artists such as Imi Knoebel and Georg Baselitz as well as Jasper Johns, Bruce Nauman, and Louise Nevelson, the current focus is on international artists who reflect an unprecedented era of rapid globalization and cross-cultural hybridization— a development that mirrors the vitality and variety of the New York art world. With access to first-class museums, galleries, and alternative project spaces in all five boroughs, New York consistently attracts diverse contemporary artists from around the world. This creative energy characterizes the Deutsche Bank Collection, New York. At the bank’s Park Avenue offices, one encounters Brazilian artist Vik Muniz’s photograph of Marlene Dietrich’s visage inscribed in tiny iridescent diamonds next to Tokihiro Soto’s images of ancient trees encircled in points of light. A mix of artists who share genres or material interests is also on view at the Wall Street headquarters, among them emerging talents like Alejandro Cardenas with his uncanny and fantastic watercolors. The Chilean-born artist is art director at Proenza Schouler, where he also designs prints and eyewear. Each floor of the building is dedicated to a specific theme, such as figurative works by Wangechi Mutu, Katherina Sieverding, and Miwa Yanagi that deal with women’s images and gender roles under the rubric All About Eve, while another floor features drawings by the likes of Richard Serra, Fred Sandback, and Phoebe Washburn engaging with the idea of sculpture. A unique feature of the Wall Street headquarters is an exhibition space in which three shows are presented annually. The 60 Wall Gallery is open to bank staff and clients, but also to art lovers and university classes through guided group tours. Works from the Deutsche Bank Collection are shown regularly, and thematic exhibitions by guest curators bring new perspectives and expertise on a subject. Exhibitions that partner with organizations supported by Deutsche Bank, such as the Museum of Contemporary African Diasporan Arts (MoCADA ) and New York Foundation for the Arts (NYFA), further expand the bank’s commitment to the city’s cultural diversity. Deutsche Bank also focuses on corporate citizenship and social responsibility. The show Beyond the Horizon, which runs until September 23, explores artistic investigations of landscape in the context of climate change. The exhibition was curated by Amy Lipton, the director of Ecoartspace, an organization that initiates interdisciplinary projects on art and ecology. The topic ties in with Deutsche Bank’s worldwide commitment to corporate social responsibility,

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© 2011 Gerhard Richter. Photo: Suzanne Stella

Think Global, Act Local

aus der ganzen Welt an. Die kreative, multikulturelle Energie dieser Szene prägt auch die Sammlung Deutsche Bank New York: So begegnet man in den Büroräumen der Bank an der Park Avenue neben dem Antlitz Marlene Dietrichs, das der Brasilianer Vic Muniz für seine Fotoarbeit aus hunderten von Diamantensplittern zusammensetzte, den von Konzeptkunst und Land Art inspirierten Werken Tokihiro Satos. Eine Auswahl von Künstlern, die ihr Interesse an unterschiedlichen Genres, Materialien und Medien verbindet, ist im Hauptsitz der Bank an der Wall Street zu sehen, darunter auch Alejandro Cardenas mit seinen unheimlichen und fantastischen Tuschezeichnungen. Der in Chile geborene Künstler ist zugleich Art Director beim Modelabel Proenza Schouler, wo er auch Stoffdrucke und Sonnenbrillen entwirft. Jedes Stockwerk in dem Gebäude ist einem Thema gewidmet: Unter dem Motto “All about Eve” werden etwa figurative Arbeiten von Wangechi Mutu, Katharina Sieverding und Miwa Yanagi präsentiert, die sich mit Frauenbildern und Geschlechterrollen auseinandersetzen. Auf einer anderen Etage finden sich Zeichnungen von Richard Serra, Fred Sandback und Phoebe Washburn, die sich mit dem Medium Skulptur beschäftigen. Eine Besonderheit im Hauptsitz an der Wall Street ist der Galerieraum, in dem jährlich drei Ausstellungen realisiert werden. Die 60 Wall Gallery ist für die Mitarbeiter und Kunden der Bank geöffnet, wird im Rahmen von Führungen aber auch von externen Kunstliebhabern, Schul- und Universitätsklassen besucht. Hier werden regelmäßig Werke aus der Unternehmenssammlung vorgestellt, Gastkuratoren zeigen in Themenausstellungen Perspektiven und Fragestellungen der Gegenwartskunst auf. Projekte, die in Kooperation mit Non-Profit Organisationen wie Art in General oder von der Deutschen Bank unterstützen Partnerinstitutionen wie dem Museum of Contemporary African Diasporan Arts (MoCADA) und der New York Foundation for the Arts (NYFA) realisiert werden, unterstreichen das gesellschaftliche Engagement der Bank und reagieren auf die kulturelle Vielfalt vor Ort. Bis in den Oktober hinein untersucht derzeit die Schau Beyond the Horizon mit aktuellen Zeichnungen und Gemälden die künstlerische Auseinandersetzung mit der Landschaft im Kontext der globalen Klimaveränderung. Kuratiert wurde die Schau von Amy Lipton, der Direktorin von Ecoartspace. Das Thema verbindet sich mit dem weltweiten Corporate Social Responsibility Engagement der Deutschen Bank. So setzt sie sich für die CO2-Reduktion und für nachhaltige, umweltfreundliche Technologien ein. Ergänzend zu Führungen stehen Podiumsdiskussionen auf dem Programm, an denen ein Künstler, ein Umweltexperte und ein Banker teilnehmen, um die Sichtweisen von Kunst, Wissenschaft und Wirtschaft deutlich zu machen. Seit 1999 zeichnet die Deutsche Bank in Partnerschaft mit der NYFA einen herausragenden, in New York lebenden Künstler mit einem Stipendiaten-Preis aus. Zu den Preisträgern gehörten Carl Fudge, der das Stipendium 2003 für seine Druckgrafiken erhielt, oder 2010 die Fotografin Penelope Umbrico. Zusätzlich werden Arbeiten der Deutsche Bank Fellows für die Unternehmenssammlung angekauft. Als Erweiterung des Fellowship-Programms bringt das Mentoring Program for Immigrant Artists die Fellows mit im Ausland geborenen Künstlern zusammen, die in New York arbeiten: Die Fellows unterstützen sie als Paten professionell auf ihrem Weg durch die einheimische Szene der Metropole. Gerade diese außergewöhnliche Verbindung von Kunst und gezieltem gesellschaftlichem Einsatz macht auch die Stärke des Kunstengagements der Deutsche Bank New York aus.

Gerhard Richter, Abstraktes Bild / Faust, 1981. Oil on canvas, 304 × 609 cm. Installation view: Deutsche Bank, New York. Deutsche Bank Collection

for instance its efforts to help reduce CO2 emissions and support sustainable, environmentally friendly technologies. In addition to gallery tours, a panel discussion engaging an artist, an environmentalist, and a Deutsche Bank staffer is scheduled to present the ways art, science, and business come together. Since 1999, the bank has partnered with NYFA to award an annual fellowship to an outstanding artist living in New York. Past Deutsche Bank Fellows at NYFA have included Carl Fudge (printmaking, 2003) and Penelope Umbrico (photography, 2010). Additionally, works by the award winners are purchased for the collection. The Mentoring Program for Immigrant Artists, an extension of the fellowship program, was conceived by Deutsche Bank and NYFA to match fellows as mentors with foreign-born artists working in New York. The fellows help their mentees professionally navigate the New York art world. It is precisely this connection between art and social responsibility that distinguishes Deutsche Bank New York’s commitment to art. What to Do in New York Das Del Posto vereint alles, was ein italienisches Restaurant bieten sollte, besonders liebe ich die Bar: elegant, dunkel und ein bisschen Retro. Ein kleines Juwel in Queens ist das Noguchi-Museum. Alles, von der Galerie bis zu den Bänken im Garten, ist von dem legendären japanischen Bildhauer gestaltet. Wer ökologisches Gemüse aus lokalem Anbau sucht, der sollte am Wochenende den Union Square Greenmarket besuchen – hier findet sich für jeden Geschmack etwas.

Liz Christensen Curator, Deutsche Bank Collection, The Americas

Del Posto 85 10th Avenue New York, NY 10011 delposto.com

Del Posto has everything an Italian restaurant should offer. I particularly like the bar, which is elegant, dark, and a little retro. The Noguchi Museum is a little gem in Queens. Everything from the gallery to the resting benches in the garden were designed by the legendary Japanese sculptor. If you are looking for locally grown, organic vegetables, go to the Greenmarket at Union Square, where you can find every flavor under the sun. Noguchi Museum 9-01 33rd Road (at Vernon Boulevard) Long Island City, NY 11106 noguchi.org

Union Square Greenmarket 39 Union Square West New York, NY 10003 grownyc.org

Issue 16 Summer 2011

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What to See – Deutsche Bank Art

Palimpsest

The Last Grand Tour

Francesco Clemente at the Schirn Kunsthalle Frankfurt

Deutsche Bank Sponsors Exhibition at the Museum of Cycladic Art

Francesco Clemente

Gouache, Aquarell. Viele seiner Werke gleichen traumähnlichen Visionen, aufgeladen von Erotik und Spiritualität. Gemeinsam mit Enzo Cucchi und Mimmo Paladino gehörte Clemente Ende der 1970er Jahre zur italienischen Transavanguardia, einer der bedeutendsten Gruppen der Postmoderne. Ihre Mitglieder stellten die Formensprache und Inhalte der Neoavantgarde infrage und arbeiteten mit traditionellen Kunstformen wie der Malerei und Zeichnung sowie mit expressiver Figuration und Farbigkeit. Francesco Clemente. Palimpsest zeigt, wie wenig sich Clemente auf diese Schaffensphase festlegen lässt und wie vielschichtig sein Werk bis heute ist. Und das erschließt sich in der Frankfurter Schau in einer assoziativen Reise, die mit den gigantischen Aquarellen der Serie A History of the Heart in Three Rainbows (III) (2009) beginnt. Am Ende stehen 20 Schlüsselwerke, die seine Arbeit umreißen – vom Frühwerk, über seine Kollaborationen mit Jean Michel Basquiat und Andy Warhol, bis zu den aktuellen Arbeiten eines genialen Nomaden, für den, wie er selbst sagt, Kunst die „letzte lebendige mündliche Überlieferung der westlichen Welt ist“.

Regarding his work, Francesco Clemente has said: “The original impulse in my life as an artist was to write and to break from writing into image.” The Deutsche Bank Foundation–sponsored exhibition Francesco Clemente. Palimpsest at the Schirn in Frankfurt sheds light on this inspiration with approximately 40 works, primarily large in scale, made between 1978 and 2011. The motif of the palimpsest—ancient manuscripts that were written on and then cleaned through scraping or washing to be used once again— can be seen as a symbol for Clemente’s artistic development.

Born in 1952 into an aristocratic Neapolitan family, he has traveled around the world since the beginning of his career and today lives in Italy, the United States, and India. Clemente’s work combines elements from a wide variety of cultures, mythologies, philosophies, and religions; he uses a broad spectrum of mediums ranging from pastel, fresco, and oil to gouache and watercolor. Many of his works resemble dreamlike visions imbued with eroticism and spirituality. Together with Enzo Cucchi and Mimmo Paladino, Clemente was part of the Italian Transavanguardia movement of the late 1970s. Forming one of the most important, postmodernist groups, its members questioned the formal language of Minimalism and Conceptual art and instead worked with traditional art forms such as painting and drawing to explore figuration and expressive color schemes. Francesco Clemente. Palimpsest shows how multifaceted his work remains to this day. In seeing his visual language in the Frankfurt show, viewers embark on a journey of associations that begins with the gigantic watercolors of the series A History of the Heart in Three Rainbows (III) (2009) and ends with 20 key works that chart his oeuvre chronologically, from the early period and his 1980s collaborations with Jean-Michel Basquiat and Andy Warhol to his current works. The exhibition traces the creative processes of a brilliant nomad for whom, as he says himself, art is the “last oral tradition alive in the West.”

Photo © Sante D’Orazio

„Der eigentliche Impuls in meinem Leben als Künstler war es, zu schreiben und vom Schreiben zum Bild durchzubrechen“, sagt Francesco Clemente über sein Schaffen. Nun beleuchtet die von der Deutsche Bank Stiftung geförderte Ausstellung Francesco Clemente. Palimpsest in der Frankfurter Schirn mit rund 40, zumeist großformatigen Gemälden und Aquarellen das poetische Werk des Künstlers. Zwischen 1978 und 2011 entstanden, dokumentieren die Arbeiten die Entwicklung eines außergewöhnlichen Oeuvres, das um die großen Fragen der menschlichen Existenz kreist. Das Motiv des Palimpsests, der antiken Manuskriptrolle, die beschrieben wird, um dann durch Schaben oder Waschen gereinigt und erneut beschrieben zu werden, erscheint sinnbildlich für die künstlerische Entwicklung von Clemente. 1952 als Sohn einer adeligen Familie in Neapel geboren, bereiste er seit Beginn seiner Laufbahn kontinuierlich die Welt und lebt heute zwischen Italien, Amerika und Indien. In seiner Arbeit vereinen sich Einflüsse aus den unterschiedlichsten Kulturen, Mythen, Philosophien, Religionen und eine große Bandbreite von Medien: Pastell-, Fresken- und Ölmalerei,

LEARN MORE ABOUT DEUTSCHE BANK’S ART ACTIVITIES AT DB-ARTMAG.COM Informationen rund um die Kunstaktivitäten der Unternehmenssammlung finden Sie in db-artmag.com, dem Online-Kunstmagazin der Deutschen Bank. You can read more about the art activities related to the Deutsche Bank Collection in db-artmag.com, Deutsche Bank’s online art magazine.

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Seit der Renaissance machten sich die gebildeten Schichten auf, um die bedeutenden europäischen Kunststätten zu besuchen. Diese Grand Tour sollte sie mit der Kultur anderer Länder vertraut machen und so ihren Horizont erweitern. Griechenland als „Wiege der europäischen Kultur“ war eines ihrer Ziele. Und bis heute ist das Land dank seiner antiken Monumente und unverwechselbaren Landschaften für Künstler ein beliebtes Ziel. Griechenland als Inspirationsort für Künstler des 20. Jahrhunderts: das thematisiert auch die Ausstellung The Last Grand Tour im Athener Museum of Cycladic Art. Die von der Deutschen Bank als Hauptsponsor geförderte Schau wurde von Jessica Morgan konzipiert. Die Tate Modern-Kuratorin organisierte 2006 die erste Schau der Ausstellungsreihe Blind Date mit Arbeiten aus der Sammlung Deutsche Bank. The Last Grand Tour spannt einen Bogen von den in den 1950ern entstandenen arkadischen Landschaftsgemälden des Briten John Craxton bis zu Jürgen Tellers ironisch-touristischer Sicht auf die Antike, Paradis (2009), oder Manfred Pernices Skulptur Griechenland (2000). Dessen respektlose Hommage besteht aus einer weiß bemalten Sperrholzsäule, die von einem Metallschild bekrönt wird. Darauf versammelt sich ein Potpourri aus klischeehaften Motiven: ein „Best-of“ griechischer Kultur. Eigentlich ist das Museum of Cycladic Art auf Artefakte der bronzezeitlichen Kykladenkultur spezialisiert, doch jeden Sommer steht

eine Ausstellung mit zeitgenössischen Positionen auf dem Programm. Zwischen den Malern Brice Marden und Martin Kippenberger liegen eigentlich Welten, doch sie verbindet ihre Liebe zu Griechenland, wo beide gelebt und gearbeitet haben. Kippenberger, das Enfant terrible der Neuen Wilden, realisierte 1993 auf Syros die erste Station seines Metro-Nets, eines weltweiten U-Bahnsystems. Und eine Neubauruine auf der Kykladeninsel erklärte er zum Museum of Modern Art Syros (MoMAS). Erstmals in Griechenland gibt die Ausstellung anhand von Gemälden, Zeichnungen und Modellen einen umfassenden Eindruck von seinem Projekt. „Klassischer“ sind die Arbeiten von Marden, der seit 1971 seine Sommer bevorzugt auf Hydra verbringt. Dort schuf er 1981 eine Serie von Marmorarbeiten, in denen sich Abklänge an die Antike mit abstrakter Malerei mischen. Auch die Objekte von Lynda Benglis beziehen sich auf die griechische Klassik. So verbindet die Edelstahlskulptur San Marcos (1995) Reminiszenzen antiker Gewandfiguren mit den zerfließenden Formen der Latex-Arbeiten, die die US -Künstlerin in den 1960er Jahren bekannt machten. Ganz ohne Bezug zur glorreichen Vergangenheit des Landes kommen dagegen die in Grautönen gehaltenen abstrakten Gemälde von Helmut Middendorf aus. Statt von Marmor wurden sie von den Betonfassaden inspiriert, die große Teile des modernen Athen prägen.

Jürgen Teller, Paradis 2009, 2009. Chromogenic print, 177.8 × 127 cm

Ever since the Renaissance, the children, usually sons, of affluent families journeyed abroad to visit the most important sites of European art. This grand tour was meant to familiarize them with the culture of other countries and expand their horizons. One highlight was Greece, the cradle of European culture. Thanks to its antique monuments and unique landscape, the country has remained popular among artists to this day. Greece as a source of inspiration is the theme of The Last Grand Tour at the Museum of Cycladic Art in Athens, supported by Deutsche Bank as the main sponsor and conceived by Jessica Morgan, the Tate Modern curator who in 2006 organized the first show of the exhibition series Blind Date with works from the Deutsche Bank Collection. The Last Grand Tour covers the spectrum from sincere to ironic inspiration, with the Arcadian landscape paintings of British artist John Craxton, as a more earnest use of Greek influence. Jürgen Teller’s photography Paradis (2009) on the other hand mimics a touristic view of antiquity while German artist Manfred Pernice’s sculpture Greece (2000) is an irreverent homage consisting of a plywood column painted white and topped with a metal sign bearing a potpourri of clichéd motifs that serve as highlights of Greek culture.

The painters Brice Marden and Martin Kippenberger are worlds apart, but connected by their love for Greece, where they both lived and worked for extended periods of time. Kippenberger created the first station of his Metro Net, a worldwide subway system, on Syros in 1993. Ironically he named a derelict modern building on the Cycladic island “MoMAS” (Museum of Modern Art Syros). For the first time in Greece, the exhibition offers an in-depth look at Martin Kippenberger’s project with various paintings, drawings, and models. On the other hand, the works of Brice Marden, who has spent his summers on the island Hydra since 1971, take a more classical approach that blends references to antiquity with abstract painting. Lynda Benglis’s copper-covered stainless-steel sculpture San Marcos (1995) combines associations to antique, robed figures with the flowing forms of her latex and polyurethane works that made the American artist internationally renowned in the 1960s. Finally, the gray-hued abstract paintings of German artist Helmut Middendorf operate without reference to Greece’s glorious past. Instead of finding their inspiration in marble, they draw on the concrete facades and architecture that characterize so much of modern Athens.

The Last Grand Tour until bis 10. 10. 2011 Museum of Cycladic Art, Athens

Deutsche Guggenheim Magazine

© Jürgen Teller. Courtesy The Dakis Joannou Collection, Athens

Francesco Clemente. Palimpsest until bis 4. 9. 2011 Schirn Kunsthalle Frankfurt

Issue 16 Summer 2011

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Flashback

What to Do

Photos: Mathias Schormann, Daisy Loewl

Photo: David Oliveira

Yto Barrada: Riffs—Opening and Talk

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3

8

Meet the Members of the Deutsche Guggenheim Club: Christine Feuerhake

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1 Sean Gulette / Tangier, Nikolai Kinski / Berlin 2 Catherine David / Paris 3 Pierre de Weck / London 4 Ralph Fischer / Berlin, Nadja Zimmermann / Geneva

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5 Yto Barrada / Tangier, Andrée Sfeir-Semler / Hamburg 6 David Saik, Cynthia Barcomi / Berlin 7 Okwui Enwezor / Munich, Ari Wiseman / New York

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8 Friedhelm Hütte, Christofer Habig, Hilmar Kopper / Frankfurt am Main 9 Michael Schweizer, Florian Widmann / Berlin 10 Guests

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11 Dirk Snauwaert / Brussels 12 Monika Grütters, Lummi Ursula Kieren / Berlin 13 Jean-François Chevrier / Paris

Ein perfekter Tag mit Kunst beginnt mit … der Entdeckung einer neuen Wort /  Bild Kombination auf der Zeichnung von Nanne ­Meyer über meinem Bett. An Jura finde ich faszinierend, … dass es das Denken schult und das Spiel mit Sprache und Worten geradezu einfordert. Besonders hat mir der Atelierbesuch mit dem Deutsche Guggenheim Club bei Matt Saunders gefallen, … weil er angenehm bescheiden, sympathisch und zugleich faszinierend über seine Arbeiten gesprochen hat. Meine dänische Herkunft ist für mich ein … großes Glück, es macht das Leben meist doch ziemlich „hyggelig“. Ich bin gerne unabhängig, … weil ich dadurch ohne zu Zögern für einige Zeit nach Tokio ziehen konnte. Berlin ist für mich die perfekte Stadt, weil … man hier doch sehr entspannt leben kann, ohne sich je zu langweilen. Mein Fahrrad … vermittelt ein herrliches Gefühl von permanenten Sommerferien. Deutsche Guggenheim Magazine

A perfect day of art begins with … discovering a new word or image combination in the Nanne Meyer drawing hanging above my bed. What I find fascinating about law is … the way it trains thought and practically demands that one play with language and words. I especially liked the Deutsche Guggenheim Club studio visit with Matt Saunders, … because he’s pleasantly modest, likable, and at the same time speaks about his work in a fascinating way. For me, my Danish background is a … stroke of luck—it usually makes my life pretty hyggelig. I like to remain independent; … it enabled me to move to Tokyo without hesitation. For me, Berlin is the perfect city; … you can live a relaxed life here without ever getting bored. My bicycle … gives me the magnificent feeling of a permanent summer vacation.

Issue 16 Summer 2011

Christine Feuerhake ist Rechtsanwältin bei Freshfields Bruckhaus Deringer. Fotografiert wurde sie auf der Friedrichstrasse in Berlin. Christine Feuerhake is a lawyer at Freshfields Bruckhaus Deringer. She was photographed on Friedrichstrasse in Berlin.

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What to Do

JULI  JULY   11

08

FR FRI 19 : 00 H 7 P.M. ARTIST’s TALK

Mika Rottenberg

Die Künstlerin der Ausstellung spricht mit der Kuratorin Joan Young.*

Mika Rottenberg

An artist in the exhibition speaks with its curator, Joan Young.*

13

Information

13 : 00 H 1 P.M. LUNCH  LECTURE

Geschichten und Geschichte: Über die Dekonstruktion von Narration und Inszenierung in zeitgenössischer Videokunst Stories and History: On the Deconstruction of Narration and Staging in Contemporary Video Art 16 : 30 H 4 : 30 P.M. GUIDED TOUR



MI WED 13 : 00 H 1 P.M. LUNCH  LECTURE

Von Reisen zum Mond und wenn der Glaube Berge versetzt: Visuelle Narrationen des Fantastischen On Journeys to the Moon and When Faith Moves Mountains: Visual Narrations of the Fantastic

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Führung für Blinde und Sehbehinderte Guided tour for blind and visually impaired people

11

DO THU 9 :  30 H 9 : 30 A.M. WORKSHOP—Part I

Puppentheater-Workshop: Vorhang auf!

04

SO SUN 11 :  30 H 11: 30 A.M. FAMILY BRUNCH

Abenteuer Kunst mit Führung durch die Ausstellung 4–12 Jahre; Eintritt: 12 €, Kinder über 12 Jahre: 8 €, unter 12 Jahre: 5 €

The Adventure of Art and a guided exhibition tour

Ages 4 to 12; admission: € 12, children over 12: € 8, children under 12: € 5

07

MI WED 13 : 00 H 1 P.M. LUNCH  LECTURE

Zwischen Realität und Fiktion. Die inszenierten Bildwelten in den Videoarbeiten von Alÿs, Cao, Huyghe, Mir, Rottenberg und Tschäpe Between Reality and Fiction. Staged Pictorial Worlds in the Video Works of Alÿs, Cao, Huyghe, Mir, Rottenberg, and Tschäpe

Informationen unter 030 – 20 20 93 11 oder deutsche-guggenheim.de ab 8 Jahre; Gesamtkosten: 10 €; Wiederholung: 30. 9. – 1. 10. 2011

08

Geschichten und Geschichte: Über die Dekonstruktion von Narration und Inszenierung in zeitgenössischer Videokunst Stories and History: On the Deconstruction of Narration and Staging in Contemporary Video Art

Puppet Theater Workshop: Curtain Opens!

„Erinnerung, sprich“ – Momo

More information at 030 – 20 20 93 11 or deutsche-guggenheim.com Ages 8 and up; admission: € 10; Repeated: 30. 9. – 1. 10. 2011

Lesung mit Kathleen Gallego Zapata; Moderation: Pauline Selbig. In Zusammenarbeit mit dem 11. Internationalen Literaturfestival Berlin.

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Puppentheater-Workshop: Vorhang auf! Puppet Theater Workshop: Curtain Opens!

MI WED 13 : 00 H 1 P.M. LUNCH  LECTURE



MI WED 13 : 00 H 1 P.M. LUNCH  LECTURE

Von Reisen zum Mond und wenn der Glaube Berge versetzt: Visuelle Narrationen des Fantastischen On Journeys to the Moon and When Faith Moves Mountains: Visual Narrations of the Fantastic

AUG  AUG   11

03

MI WED 13 : 00 H 1 P.M. LUNCH  LECTURE

Geschichten und Geschichte: Über die Dekonstruktion von Narration und Inszenierung in zeitgenössischer Videokunst Stories and History: On the Deconstruction of Narration and Staging in Contemporary Video Art

09

DI TUE 9: 30 H 9 : 30 A.M. WORKSHOP—Part I

Soundworkshop: Audio Tales Informationen unter 030 – 20 20 93 11 oder deutsche-guggenheim.de ab 8 Jahre, Gesamtkosten: 20 €; Wiederholung: 24.– 25. 9. 2011

Sound Workshop: Audio Tales More information at 030 – 20 20 93 11 or deutsche-guggenheim.com Ages 8 and up, admission: € 20; Repeated: 24.–25. 9. 2011

10



MI WED 9 : 30 h 9 :  30 A.M. WORKSHOP—Part II

Soundworkshop: Audio Tales Ort: Hamburger Bahnhof – Museum für Gegenwart, Invalidenstr. 50–51, 10557 Berlin

Sound Workshop: Audio Tales Location: Hamburger Bahnhof – Museum für Gegenwartskunst, Invalidenstr. 50–51, 10557 Berlin

24

12



FR FRI 9: 30 h 9 : 30 A.M. WORKSHOP—Part II

17 / 24

 MI WED 13 : 00 H 1 P.M. LUNCH  LECTURE

Märchen, Mythos, Utopie: Erbe und Erfindung in der künstlerischen Erzählweise der zeitgenössischen Film- und Videokunst Fairy Tales, Myths, Utopia: Heritage and Invention in Artistic Narratives in Contemporary Film and Video Art

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SA SAT 18 : 00 h 6 P.M. MUSEUM NIGHT

29. Lange Nacht der Museen: Once Upon a Time Details unter deutsche-guggenheim.de / lange-nacht-der-museen.de Ticket: 15 €, ermäßigt: 10 €, Kinder unter 12 Jahren: Eintritt frei

29th Long Night of Museums: Once Upon a Time Details at deutsche-guggenheim.com or lange-nacht-der-museen.de Admission: € 15, reduced rate: € 10, ages up to 12: admission free

31

DO THU 16 : 00 H 4 P.M. READING

16 : 30 H 4 : 30 P.M. GUIDED TOUR

Führung für Blinde und Sehbehinderte Guided tour for blind and visually impaired people

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MI WED 13 : 00 H 1 P.M. LUNCH  LECTURE

Zwischen Realität und Fiktion. Die inszenierten Bildwelten in den Videoarbeiten von Alÿs, Cao, Huyghe, Mir, Rottenberg und Tschäpe Between Reality and Fiction. Staged Pictorial Worlds in the Video Works of Alÿs, Cao, Huyghe, Mir, Rottenberg, and Tschäpe

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FR FRI 19 : 00 H 7 P.M. READING PART II

Once upon a time… Fantastische Geschichten in der zeitgenössischen Literatur Realität und Fiktion Die ehemaligen Stipendiaten der Villa Aurora Paul Brodowsky, Dieter M. Gräf, David Wagner und Uljana Wolf lesen aus ihren Werken.

“Speak Memory”—Momo

Once upon a Time… Fantastic Stories in Contemporary Literature

Reading with Kathleen Gallego Zapata; moderated by Pauline Selbig. In collaboration with the 11th International Literature Festival Berlin.

The former fellows of Villa Aurora, Paul Brodowsky, Dieter M. Gräf, David Wagner, and Uljana Wolf, read from their works.

09

28

FR FRI 14 : 00 H 2 P.M. GUIDED TOUR

Führung für gehörlose Kinder und Familien Eintritt: 3 €, Familien: 8 €

Guided tour for deaf children and families Admission: € 3, families: € 8

16 : 00 H 4 P.M. GUIDED TOUR

Führung für blinde und sehbehinderte Kinder und Familien Eintritt: 3 €, Familien: 8 €

Guided tour for blind and visually impaired children and families Admission: € 3, families: € 8

19 : 00 H 7 P.M. READING PART I

Once upon a time… Fantastische Geschichten in der zeitgenössischen Literatur Realität und Fiktion

MI WED 13 : 00 H 1 P.M. LUNCH  LECTURE

Mythen, Märchen und Geschichten: die Frage nach der ewigen Wiederkehr von Themen und Motiven in der zeitgenössischen Kunst Myths, Fairy Tales, and Stories: The Question of the Eternal Return of Themes and Motifs in Contemporary Art

OKT  OCT   11

05

MI WED 13 : 00 H 1 P.M. LUNCH  LECTURE

Von Reisen zum Mond und wenn der Glaube Berge versetzt: Visuelle Narrationen des Fantastischen On Journeys to the Moon and When Faith Moves Mountains: Visual Narrations of the Fantastic

nächste Ausstellung Upcoming Exhibition

Deutsche Guggenheim

Paweł Althamer: Almech Auftragsarbeit für das Deutsche Guggenheim Commissioned Work for the Deutsche Guggenheim 28. 10. 2011 – 15. 1. 2012

Unter den Linden 13 /  15 10117 Berlin Fon +49 (0)30 – 20 20 93 0 Fax +49 (0)30 – 20 20 93 20 [email protected]

Führungen Guided Tours

Verkehrsanbindung Public Transport

• Daily Lectures: Täglich 18 h 6 p.m. • Monday Lectures: montags 11 – 20 h

Mondays, 11 a.m. – 8 p.m. Eintritt frei Admission free • Lunch Lectures: mittwochs 13 h Wednesdays, 1 p.m. Erwachsene Adults: 9 €, ermäßigt Reduced rate: 7 € Gern bieten wir Sonderführungen in Deutsch und Englisch sowie für Kinder und Schulklassen an. Informa­tion und Reservierungen unter: +49 (0)30 – 20 20 93 19 /   [email protected] For more information or reservations for ­guided tours in German and English and tours for school groups: +49 (0)30 – 20 20 93 19 /   [email protected] Informationen und Anmeldungen zum Kinder- und Jugendprogramm unter For more information or to register for children and youth programs: +49 (0)30 – 20 20 93 11

Deutsche Guggenheim Shop Der Deutsche Guggenheim Shop bietet mit über 1.500 Artikeln ein vielfältiges und ständig aktualisiertes Sortiment, das sorgfältig auf die Ausstellungen im Deutsche Guggenheim abgestimmt wird. Neben Katalogen erhalten Sie exklusiv im Shop die Editionen des Deutsche Guggenheim. With over 1,500 items, the Deutsche Guggenheim Shop provides a diverse and constantly updated assortment of items focused on each exhibition. Visitors can also acquire the editions of the Deutsche Guggenheim available exclusively here. Mehr Informationen unter For more information, please contact: +49 (0)30 – 20 20 93 15 /   16 oder or [email protected]

Die ehemaligen Stipendiaten der Villa Aurora Maria Cecilia Barbett, Tanja Dückers und Florian Werner lesen aus ihren Werken.

19 : 00 H 7 P.M. LECTURE

Zwischen Realität und Fiktion. Die inszenierten Bildwelten in den Videoarbeiten von Alÿs, Cao, Huyghe, Mir, Rottenberg und Tschäpe Between Reality and Fiction. Staged Pictorial Worlds in the Video Works of Alÿs, Cao, Huyghe, Mir, Rottenberg, and Tschäpe

Once upon a Time… Fantastic Stories in Contemporary Literature

still / moving: Filmische Fotografie und fotografischer Film in der zeitgenössischen Kunst

The former fellows of Villa Aurora, Maria Cecilia Barbett, Tanja Dückers, and Florian Werner, read from their works.

Vortrag: Prof. Dr. Michael Diers, Hochschule für bildende Künste Hamburg und Humboldt-Universität zu Berlin.

Deutsche Guggenheim CafE

still / moving: Film in Photography and Photography in Film in Contemporary Art

SEP  SEP   11

Mythen, Märchen und Geschichten: die Frage nach der ewigen Wiederkehr von Themen und Motiven in der zeitgenössischen Kunst Myths, Fairy Tales, and Stories: The Question of the Eternal Return of Themes and Motifs in Contemporary Art

Das Deutsche Guggenheim Cafe bietet frische Imbissvariationen mit Produkten aus der Region. Eatdesign, Delikatessen und exquisite Süßwaren aus internationalen und Berliner Manufakturen laden zum kosten und verschenken ein. The Deutsche Guggenheim Cafe offers fresh snacks consisting of local products. Visitors can purchase design products, gourmet foods, and exquisite sweets from Berlin or around the world.



01

MI WED 13 : 00 H 1 P.M. LUNCH  LECTURE



DO THU 18 : 30 H 6 : 30 P.M. GUIDED TOUR

Führung durch die Ausstellung für Gehörlose Guided tour through the exhibition for deaf people

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MI WED 13 : 00 H 1 P.M. LUNCH  LECTURE

Lecture by Prof. Dr. Michael Diers, Hochschule für bildende Künste, Hamburg, and Humboldt University, Berlin. * Veranstaltung in englischer Sprache * Talk / Lecture will be held in English Veranstaltungsort, wenn nicht anders angegeben Location when not otherwise indicated Deutsche Guggenheim

U-Bahn Stadtmitte ( U2) U-Bahn Französische Straße ( U6) S-Bahn Brandenburger Tor (S 1/ 2) S-Bahn Friedrichstraße (S  3/5/ 7/9/ 75) Bus 100, 200, TXL

Öffnungszeiten Hours Täglich von 10 bis 20 h auch Deutsche Guggenheim SHOP und CAFE Daily, 10 a.m. – 8 p.m. including the Deutsche Guggenheim SHOP and CAFE

Eintritt Entrance Fees Erwachsene: 4 € ermäßigt: 3 € Kinder unter 12 Jahren: Eintritt frei Schulklassen ohne / mit Führung: Eintritt frei Gruppen bis 20 Personen: 35 € Familienkarte: 8 € Montags: Eintritt frei Adults: € 4 Reduced rate: € 3 Children under 12: Admission free School groups without or with guided tours: Admission free Groups up to 20 people: € 35 Family Card: € 8 Mondays: Admission free

Deutsche Guggenheim Club Falls Sie mehr Informationen über den Freundeskreis des Deutsche Guggenheim ­erhalten möchten, kontaktieren Sie uns bitte unter: +49 (0)30 – 20 20 93 12 oder deutsche-guggenheim.de For more information on the Deutsche Guggenheim Friendship Circle, ­please contact: +49 (0)30 – 20 20 93 12 / deutsche-guggenheim.de